Dimanche 6 février à 18h
Institut Finlandais de Paris
60 Rue des Écoles, 75005 Paris
Entrée 5 euros

Le film de danse est une forme d’art inspirante. Elle est diversifiée, multifacettes, et donne aux artistes beaucoup d’outils pour aborder leurs thématiques. Elle parvient à rester surprenante au fil du temps. Le potentiel du film de danse est quasi illimité en termes d’idées, et de manière de les réaliser. Le champ est neuf et en pleine évolution, bien que cette forme d’art soit vieille comme le cinéma.

Avec la projection de 8 ways to dance out, les curatrices Kati Kallio (FI) et Virginie Combet (FR) présentent huit façons dont les films de danse parlent à leur public. Le processus s’est révélé un dialogue passionnant entre les deux curatrices, l’une proposant des films de son pays et l’autre sélectionnant ceux qui allaient être projetés. À l’issu de cette discussion, Virginie Combet et Kati Kallio ont fait une sélection de films marquants, qui illuminent leur sujet.

Le dialogue entre deux cultures, par le biais de ces huit créations, révèle les spécificités et la puissance des langages corporels. Le public aura la chance de les découvrir à travers cette programmation !

Un film sur une usine efficiente où les employés produisent en série du rire cynique en conserve. Mais un jour, le rire vrai, libre et sans entraves déjoue la surveillance et s’échappe dans le monde extérieur.

Sanna, quatre-vingts ans, vit seule avec ses souvenirs et ses plantes vertes. Un jour, elle assiste à un évènement de sa fenêtre qui lui fait se remémorer ses amis et ressentir sa propre solitude.

Louise, huit ans, et sa jeune mère Marianne sont fusionnelles. Quoiqu’un peu moins ce soir de fest-noz, éloignées par la danse et un danseur troublant.

Durant toute la durée du chantier et jusqu’à son ouverture publique en 2018, la Fondation Lafayette Anticipations, imaginée par Rem Koolhaas, a fait l’objet d’une enquête sur sa propre mutation. L’architecture en devenir est mesurée au fil des mois à travers la rencontre in situ de réalisateurs et de performeurs. Pour réaliser ce 5e épisode de Mutant Stage, Louise Hémon a choisi de l’explorer comme une caverne pour pénétrer ses brèches, ses cavités et aspirer ses courants d’air. Une expédition souterraine pour danseurs qui s’emboîtent le pas.

Never Twenty One, un court métrage co-réalisé avec l’ex-collectif Racine, rend hommage aux jeunes victimes de violences armées aux Etats-Unis, qui ne verront jamais à l’âge de 21 ans. L’expression Never 21, née des Black Lives Matters mouvement, dénonce les morts précoces qui affligent le pays et les quartiers comme le Bronx en particulier. A partir de témoignages réels, le film met en scène trois danseurs qui insufflent vie aux paroles des victimes et de leurs familles. Le jeune danseur Smaïl Kanouté incarne différentes énergies physiques et musicales pour exprimer sa rage, pleurer la perte de ses proches, et évoquer la spirale vicieuse dans laquelle il est enfermé qui le pousse à jouer avec le feu. Il devient la cicatrice laissée par ces vies perdues, leurs souvenirs et leurs mots, gravés à jamais dans la malédiction du nombre 21. Smaïl Kanouté continue d’approfondir ce sujet, à travers les villes de NYC, Rio et Soweto, dans une pièce chorégraphique sur scène créée en 2021 avec un trio de danseurs.

Le film raconte une histoire un peu mélancolique à travers ses performances dansées. En même temps, il explore les questions plus profondes de la propriété des terres Sami.

1967 : près de 100.000 jeunes déferlent spontanément à San Francisco pour changer de vie, et tenter de dépoussiérer le vieux monde. C’est le « Summer of Love ».
1969 : Woodstock et la naissance des festivals, symboles forts de la contre-culture et de l’anti-capitalisme.
50 ans plus tard : les festivals ont pris la forme ultime d’industrie culturelle ; et ses festivaliers, celle de la masse qui les consomme de manière passive.
Peut-on encore vivre une expérience spirituelle dans ces nouveaux sanctuaires de consommation ? Les spectateurs réussissent-ils à créer leur propre expérience subversive comme autant d’individus constituant une masse ?
Ces questions ont animé (LA)HORDE tout au long du tournage. Tout en scanant la foule avec leurs caméras, elle.ils ont capturé la grâce certaine que le rassemblement possédait. Et des moments suspendus inattendus ont fait osciller le propos entre paganisme désenchanté et spiritualité animale, liesse et inquiétude, extase et descente, désenchantement et lumière.
À travers ce projet global qui réunit un film et une performance, (LA)HORDE explore la manifestation du culte, ses pratiques, ses performances ritualisées : slam, mosh pit, cercle, wall of death… Un vocabulaire chorégraphique que les trois performeur·ses du film transmettront aux amateurs du festival pour qu’ils deviennent foule à leur tour. Ils créeront ensemble in situ un rassemblement de masse semblable à ceux des festivals, une messe consumériste entre vice et grâce.

http://www.collectiflahorde.corn/

www.ballet-de-marseille.com

Un pêcheur sous la glace découvre son frère d’âme préhistorique congelé dans la glace. Plusieurs temporalités se fondent les uns dans les autres pour une exploration cinématographique et kinesthésique de l’aliénation, de la dépendance et de l’amitié.